¿Apasionado de la producción en eventos? Hablamos con Tobias Åberg, executive in charge of production Eurovision 2024

¿La impactante producción de las últimas ediciones es una clave del renacimiento popular del festival?

Estamos muy orgullosos del nivel de diseño de producción. Hemos intentado crear una atmósfera más viva, ya que Eurovisión cada vez más se orienta a los videos musicales y queríamos inspirarnos en ellos. La respuesta ha sido muy buena y sí, creo que ha sido parte del éxito de esta edición.

¿Cuáles eran los principales puntos del briefing?

Cuando pedimos a escenógrafos que presentaran su candidatura para Eurovisión 2024, les dimos un briefing en el que queríamos conseguir una sensación ‘OMG’… pero también la posibilidad de realizar muchas variaciones sobre el escenario. Esta versatilidad fue clave a la hora de elegir. El diseño final fue resultado de la cooperación entre todos los creativos y productores: escenógrafos, diseñadores de iluminación y pantallas, diseñadores multicámara, y los productores. La elección de la escenografía fue una decisión audaz, sabíamos que nos plantearía muchos retos, tanto creativos como técnicos y prácticos, pero no pudimos resistirnos al desafío porque nos dimos cuenta de que sería increíble.

“Eurovisión se orienta a los videos musicales y queríamos inspirarnos en ellos”

Foto: Sarah Louise Bennett

¿Cuáles son los pasos clave del proceso de trabajo, quién crea el diseño, quién coordina la producción, quién valida?

El diseño de producción se finalizó con el equipo creativo, de producción y técnico. Al incluir a los principales creativos y productores en las decisiones, el trabajo se convirtió en un esfuerzo de grupo y al final no supervisamos ningún aspecto del diseño. Mi tarea en el diseño de producción consistía en supervisar el proceso y señalar las decisiones más importantes que tomar, por razones técnicas o por motivos creativos o económicos.

Teníais que apoyar las actuaciones de 37 artistas. ¿Es un reto enorme? ¿Recibís instrucciones muy variadas, o especificáis lo que cada artista puede utilizar, a modo de menú?

Es un reto enorme dar apoyo a 37 actos además de los actos de apertura e intermedios, y conseguir que cada acto destaque por su propia personalidad. Cada delegación acude con una visión propia de su actuación. A veces tienen una visión muy clara y pueden darnos un buen resumen y a veces necesitan ayuda creativa. Sin embargo, como productores, diseñaremos sus actos de manera que queden lo mejor posible en nuestro escenario sin perder su identidad y sus deseos.

Es un reto enorme dar apoyo a 37 actos además de los actos de apertura e intermedios, y conseguir que cada acto destaque por su propia personalidad

Lo mínimo que recibimos de cada delegación es un mood board (look and feel), un vídeo del director de su actuación y una especificación de lo que desean como extra. Lo que se les permite utilizar como equipo adicional (por ejemplo, pirotecnia, atrezzo, etc.) se define mediante normas estrictas, tanto sobre el tamaño del atrezzo como sobre el hecho de que les suministraremos todo el equipo técnico adicional (luces, láseres, etc.) y los efectos especiales por los que hayan cobrado.

Foto: Sarah Louise Bennet

¿Cuáles son los principales retos para una sucesión de puestas en escena tan rápida?

Contar con un equipo de escenario que funcione bien y que ensaye esto muchas veces. Nuestro director de escena ha hecho este evento varias veces antes y es muy bueno estimando lo que se puede hacer y lo que no durante el tiempo que tienen para realizar el cambio de decorado. Además, el equipo de cambio de decorado está formado por 40 personas solo para el cambio de atrezzo, sin incluir los técnicos de efectos especiales, video o iluminación.

¿Cuál ha sido el mayor logro de esta edición?

Aceptar el reto de un concepto nuevo en producción y que saliera tan bien. El escenario en el centro fue una de las decisiones más importante y el mayor reto. Queríamos que el público participara más en la producción televisiva para que sintiera el directo a través de la pantalla. Esto supuso varios desafíos, como los visuales del background, los problemas técnicos de tener público rodeando el escenario a la hora de trabajar en el mismo, y logísticos, porque no facilitaba este hecho el cambio de decorado.

El escenario en el centro fue una de las decisiones más importante y el mayor reto

Foto: Corinne Cumming

Los cubos de leds colgados como elemento visual fueron claves en la escenografía. Los cubos podían adoptar diferentes formaciones y aspectos. Nos encantaron desde el principio, y como era una de las señas de identidad de nuestra escenografía, solo hicimos ajustes, pero intentamos mantenerlos tal y como debían ser visualmente.

Fue necesario que gran parte de la iluminación se desplazara con motores C1 durante el espectáculo

Y, desde luego, la increíble cantidad y dinamismo de los focos, que eran hipervisibles, como rayos de luz. El diseñador de iluminación quería mantener una iluminación en simbiosis con la escenografía en cada momento con líneas rectas y ‘cajas’, lo consiguió. Dado que teníamos una sensación de 360 grados y que los cubos led se desplazaban hacia arriba y hacia abajo, también fue un reto conseguir un diseño de iluminación versátil pero que sirviera de referencia. Para ello fue necesario que gran parte de la iluminación se desplazara con motores C1 durante el espectáculo.

Foto: Sarah Louise Bennett

Otra de decisión clave fue colocar la ‘sala verde’ (en donde esperan los artistas a punto de salir) detrás del escenario y tener la posibilidad de mostrarla (abriendo la gran pantalla de led), lo que también requería que el equipo de iluminación pudiera llegar lo más alto posible durante esta revelación. Todos estos aspectos requirieron motores de 200 C1 para todos los elementos móviles, equipo de iluminación, cubos, truss de efectos especiales y pared trasera.

Foto de portada: Janne Danielsson/SVT